La danza árabe, danza del vientre movimientos accesorios vestimenta musica

La danza del vientre es una danza que combina elementos tradicionales de Oriente Medio junto con otros del Norte de África.

En árabe se la conoce como raqs sharqi رقص شرقي («danza de oriente») o en ocasiones raqs baladi رقص بلدي (danza «nacional» o «folk»). El raks baladi es una danza muy elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos principalmente de cadera. A la evolución de esta danza se la llama danza del vientre o raks sharki en Egipto.

El término «belly dance» (en español ‘danza del vientre’) es según algunos una mala transcripción o transliteración del vocablo que designa el estilo de danza beledi o baladi y suele atribuirse a Sol Bloom, director de espectáculos en la Exposición Universal de Chicago de 1893.

El raks sharki incluye movimientos del folclore egipcio, danza clásica y contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos de todas las partes del cuerpo, pero sobre todo de la cadera.

En Turquía, a la danza del vientre se la conoce como gobek dans o rakasse (ritmo turco).

Vestimenta para la danza del vientre

– Faldas: Un elemento fundamental en para este baile son las faldas. Puede encontrarse en diferentes estilos, diseños y colores, pero lo importante aquí es sobre todo la calidad de la tela para que permita movimientos más fluidos mientras se baila. Se pueden encontrar en diseños realmente trabajados y bonitos realizados a mano en países del norte de África y Oriente Medio.

– Pañuelo: El pañuelo es otro de los elementos básicos en la danza del vientre. La función del pañuelo es resaltar las formas de cuerpo durante el baile y suelen ir provistas de monedas colgando a lo largo de la tela.

– Velo: Otro de los elementos imprescindibles para la danza del vientre es el velo. La función que tiene durante el baile es la de jugar mientras la bailarina se cubre y se descubre con él. Además sirve para dibujar distintas figuras en el aire contribuyendo al espectáculo visual.

– Traje: El traje es la parte más importante del vestuario. El baile del vientre en general se verá más vistoso si el traje que se utiliza está más trabajado, ya que va a ser la parte más visible durante la danza. Normalmente están compuestos por un top y una falda ambos separados, aunque también puedes encontrar modelos en los que van juntos en una sola pieza. Si compras alguno es muy posible que descubras que se venden en una talla única, luego debes ajustarlo a tu cuerpo a mano.

Música tradicional aragonesa

• La Contradanza de Cetina. Orígenes y descripción de este baile y del dance de dicha localidad.
http://www.efor.es/users/cetina
• Danzes de Jaca. Estudio realizado por Manuel Tomeo Turón y Guzmán Fernandez Barrio.
http://altoaragon.com/jaca/danzes
• El carnaval de Bielsa. Los protagonistas de esta famosa fiesta y su significado.
http://www.ctv.es/USERS/pyrene/carnaval.htm
• El Cipotegato de Tarazona. Página Web dedicada a divulgar la figura del Cipotegato y Tarazona.
http://personal.redestb.es/tarabona/cipoindex.html
• Aragón: campanas, campaneros y toques. Toques de campanas de algunos pueblos aragoneses, con archivo sonoro, inventario de campanas aragonesas y un curso de introducción a los toques de campanas al estilo de Aragón.
http://www.cult.gva.es/gcv/aragon.htm
• Gigantes en Novillas. Fotografía, sonido y video de esta fiesta tradicional.
http://www.aragonesasi.com/novillas/gigantes.htm
• Gaita de boto de Aragón. Un detallado estudio de este instrumento musical.
http://usuarios.lycos.es/Aqueron/boto.htm
• El palotiau de Sinués. Fotografías y música de este bello dance sinuesino (cuculdo, con permiso del autor).
http://www.iespana.es/Sinues/Palotiau.htm
• Carnabal de la Balle de Bielsa. Interesantísima documentación sobre este célebre carnaval.
http://www.monteperdido.com/carnavaldebielsa
• La Morisma de Aínsa. Varias direcciones con información:
o http://www.pirineo.com/ainsa/morisma.html
o http://www.ctv.es/USERS/pyrene/morisma.htm
o http://www.aramedia.org/comarcas/sobrarbe/ainsa/ainsa.htm
o http://www.aramedio.com/fiestas/inhuesca.htm
• Música y dances de Quinto de Ebro.
http://aui.es/quinto/musica/q_musica.htm
• El dance de Mallén. Grupo Cultural Belsinon.
http://www.terra.es/personal8/tomas88/dance.htm
• Las esquilas. ASPE, S. L. Empresa de nutrición animal y productos zoosanitarios.
http://www.aspe-sl.com/tradicion1.htm
• La gralla. Estudio de los distintos tipos de grallas utilizados en la música tradicional de Cataluña.
http://es.geocities.com/lusxipellis/gralla.htm
• El Club de la Dolçaina.
http://www.elclubdeladolsaina.com
• El Dance o Paloteao de Novillas. Historia, documentos, fotos y exhaustiva información.
http://www.aragonesasi.com/novillas/dance/
• Músicas del Biello Sobrarbe. Partituras y melodías en versión MIDI o MP3, ofrecidas por La Ronda de Boltaña.
http://www.rondadors.com/biello
• CALIBS 2003. Tercer Encuentro Cultural del Valle del Queiles. 21, 27, 28 y 29 de junio de 2003.
http://www.atirodepiedra.com/notas_folk/calibs.htm
• Jotas aragonesas. Colecciones de coplas de jota aragonesa escritas por el poeta zaragozano Ambrosio-Benito García Ferrer, «Ramón de Campo».
http://perso.wanadoo.es/mivicgar
• Peñaflor de Gállego. Página web dedicada a esta localidad zaragozana, que incluye una sección sobre su dance y otra sobre el aragonés local.
http://www.penaflordegallego.com
• ARAGOMUSIC. Folklore y música tradicional aragonesa.
http://aragomusic.com/
• Ejercicios para conocer la MÚSICA TRADICIONAL ARAGONESA. Página Web de Asunción Gil.
http://endrino.cnice.mecd.es/~hotp0070/asungil/

El arte y la literatura

La literatura es el arte, que utiliza como instrumento la palabra. Por extensión, se refiere también al conjunto de producciones creadas de una nación, de una época o de un género (la literatura griega, la literatura del siglo XXI, etc) y al conjunto de obras que versan sobre un arte o una ciencia (literatura medica, etc). Es estudiada por la Teoría de la Literatura.
En el siglo XVII, lo que hoy denominamos «literatura» se designaba como poesía o elocuencia. Durante el Siglo de Oro español, por poesía se entendía cualquier invención literaria, perteneciente a cualquier género y no necesariamente en verso. A comienzos del siglo XVIII se comenzó a emplear la palabra «literatura» para referirse a un conjunto de actividades que utilizaban la escritura como medio de expresión. A mediados de la misma centuria Lessing, publica Briefe die neueste Literatur betreffend, donde se utiliza «literatura» para referirse a un conjunto de obras literarias. A finales del siglo XVIII, el significado del término literatura se especializa, restringiéndose a las obras literarias de reconocida calidad estética. Este concepto se puede encontrar en la obra de Marmontel, Eléments de littérature (1787), y en la obra de Mme. De Staël, De la littérature considéré dans se rapports avec les institutions sociales
LEON BATTISTA ALBERTI aporto
El Tratado de la Pintura (1436) se considera la obra fundacional de la literatura artística moderna, influye en todas las posteriores. Se considera la base fundamental de toda la práctica de la pintura en Italia durante más de un siglo. Recoge todas las novedades aparecidas (perspectiva, color, composición, temática). Destaca que antes de este tratado no había otro sobre pintura, por lo que no tenía referencias para construir su discurso.
La primera parte del tratado es una elaborada explicación científica de los elementos que intervienen en la representación. Esto significa que la pintura toma como referencia a la realidad, defiende la pintura como imitación a la naturaleza. Recurre a procedimientos de otras artes liberales, lo que constituye una reivindicación del carácter noble y liberal de la actividad artística.
Hace del cuerpo humano la guía para establecer el sistema de proporción. Habla también de la historia de la pintura, donde destaca los honores que los pintores recibieron de los señores.
De Re Aedificatoria, es el tratado sobre arquitectura de Alberti. Entre sus obras como arquitecto destaca el Templo Malatesta en Rímini, la fachada de Sta. Mª de Florencia o San Andrés de Mantua.
Su tratado se presentó en 1452 al Papa Nicolás V pero no se publicó hasta 1485. Cuenta con la referencia de Vitrubio. Sobre este modelo se va a articular su teoría de la arquitectura y la organización de la obra. Se compone de 10 libros. Se vale de la propia observación de los restos antiguos porque el Papa le encargó un plan de modernización de Roma.

Qué es el Hentai

La palabra hentai tiene dos significado que es perverido o transformacion, este es un derivado del anime con contenido erotico y un arte encuanto a dibujos ya que muestran el cuerpo humano con todos los detalles muy bien definidos.

Existen dos generos diferentes del Hantai, el primero en el que se muestran solo relaciones heterosexuales al cual se le denomina «HET»; y al segundo en el que se muestran relaciones homo se le clasifica en Yaoi, relaciones entre Hombres, y Yuri que son relaciones entre lesbianas. Es necesario decir que el genero Yaoi no solo es aplicado para el Hentai si no que tambien se extiende a cualqier anime o manga que incluya en el relaciones Homosexuales del genero masculino.El hentai es conocido en japon mas sin embargo no se puede ver ya que es algo sensurado para los recidentes de este pais.

El artículo 175 del código penal japonés prohíbe la publicación de material «moralmente perjudicial», que tal como se interpreta actualmente incluye la exposición de genitales, así que es frecuente ver una barra cubriendo los genitales, o bien los genitales borrosos. Antes de 1994, la interpretación de esta ley incluía la prohibición de exponer vello púbico, una norma que se eludía dibujando personajes sin vello púbico.

Sin embargo, esto ha causado otro problema cuando los vídeos hentai se distribuían a lugares como Europa y Estados Unidos.

Como los personajes del anime parecen más jóvenes que los personajes de la misma edad de los dibujos animados occidentales, eso dio a algunos la impresión de que los vídeos contenían pornografía infantil.

Un dato menos conocido es que la censura japonesa es muy estricta en cuanto a los dibujos sobre actividad sexual entre humanos y animales.[cita requerida] Aunque se permite que circulen con relativa libertad actos con monstruos imaginarios (que suelen tener los conocidos tentáculos fálicos con el fin de evitar la ley relativa a los genitales de verdad), se ha considerado el sexo zoofílico con animales existentes como algo que debe ser perseguido.

A las mujeres que ven este tipo de esenas eroticas (El Yaoi) se les dice «Fujoshi» que en español podria clasificarse como mujer o chica podrida.El hentai no esta enfocado solamente en representar esenas eroticas comunes, tambien se muestran todo tipo de fetiches conocidos en el mundo como lo son las mujeres con enormes pechos, las mas pervertidas, entre ermafroditas y trans sexuales en realidad es uno de los mas completos en cuanto a la gama de fetiches que abarca.

Danza Regional de México

La danza regional o folklorica son todos los bailes tipicos y tradicionales de un pueblo o cultura, expresan directamente las actitudes existenciales y debido a su sencilles de interpretación y entendimeiento las hacen faciles de identificar por el espectador sea nacional o extranjero.

Las danzas tradicionales populares más importantes de la república son:

ACATLAXQUIS.- Es danza tipica de Panhuatlán, donde se lleva a cabo bajo el palo volador. También puede verse el 12 de diciembre el la Villa de Guadalupe.

APACHES

DAZA DE LOS ARCOS.- Esta danza puede verse en diversas festividades de los estados de Hidalgo, México y Puebla.

DANZA DE LOS ARRIEROS.- Además de las danzas que ejecutan, cantan, declaman y rezan, mientras que algunos de ellos preparan el banquete que contituye el centro de esta fiesta.

DANZA DE CABALLITOS.- Nuevo León.

CABEZA DEL COCHINO.- Se porta como estandarte una cabeza de cerdo que ha sido adornada por las mujeres. Esta fiesta es típica en toda la Peninsula de Yucatán.     

CAPORALES.- En estas festividades los «caporales» visten de charro y utilizan un torito de madera para sus juegos, puede encontrarse en los estados de México y Guanajuato.

DANZA DE LOS CHAREOS.- Costa de Oaxaca.

DANZA DE CHICALEROS.- Nuevo León.

CHICHIMECAS

LOS CHIVOS.- Los danzantes, que hacen de chivos, llevan puestas máscaras de madera pintadas de rojo, con cuernos de venado cubiertos de cintas y flores de papel, así como faldas que les llegan a las rodillas. Es una danza típica del estado de Guerrero.

CONCHEROS

LA CONQUISTA.- A veces se le conoce como danza de los Marqueses, devido al titulo de Marqués que adoptó Cortés, y se la puede ver en los estados de Michoacán y Jalisco, entre otros.

DANZA DE LOS DIABLOS.- Costa de Oaxaca.

FLOR DE PIÑA.- Oaxaca/Veracruz.

HUEHUENCHES.- Tambien llamada «huehues, es mejor conocida en la versión denominada «Danza de los Viejitos».

LAS IGUIRIS.- Michoacán.

INDIOS.- Un nombre más de la danza conocida como «Concheros».

LA JUDEA.- Semana Santa Cora en Nayarit.

KALALA.- Chiapas.

EL MACHOMULA.- Es una festividad propia de la Costa Chica del estado de Guerrero.

MARIPOSAS.- Michoacán.

DANZA DE LAS MASCARITAS.- Costa de Oaxaca.

MATLACHINES.- Esta es una de las danzas más populares y generalizadas de México, Los danzantes que se consideran mejores en estas danza son los provenientes de los estados de Zacatecas y Aguascalientes, ya que se distinguen por ser los más vigorosos y masculinos del pais.

MOROS Y CRISTIANOS.- Los actores, que nunca cesan de moverse, utilizan al hablar un tono declamatorio muy agudo, una especie de falsete. Michoacan.

LOS MUDOS.- Se utiliza vestimenta femenina y se portan pelucas primitivas hechas de fibra de maguey trenzada con cintas de muchos colores. Se encuentran estas danzas en varios pueblos nahuas del estado de Guerrero.

NEGRITOS.- Región Totonaca de Veracruz y Puebla.

OCHO VICIOS.- Los diálogos se entremezclan con diversas danzas y su duración total es de más de una hora. Es muy semejante a la llamada «Siete Pecados».

DANZA DE PALMA.- Nuevo León.

DANZA DE PALOTEROS.- Michoacán.

PARACHICOS.- Chiapas.

LOS PARDOS.- Zacatecas.

LOS PASCOLAS.- Los danzantes se atan el cabello fuertemente sobre la coronilla con un listón, formando un moño, y cuelgan de sus pantorrillas capullos de mariposas que hacen de sonajas al compas de la danza. Acompañan asimismo la danza un arpa y un violín.

LOS PAIXTLES.- Usan Máscaras para cubrirse el rostro y cintas de colores sobre la cabesa. Esta danza se puede contemplar en los estados de Jalisco y Nayarit.

PESCADOS.- Es semejante a la danza llamada «Tortuga» y propia, al igual que esta, del estado de Guerrero.

PESCADO BLANCO.- Michoacán.

DANZA DE LA PLUMA.- Nombre con el que se conoce en el estado de Oaxaca a la version zapoteca de «La Conquista».

DANZA DE LOS QUETZALES.- Puebla.

SANTIAGOS.- Santiago utiliza un caballo real y, en otras, su disfraz incluye, por delante, una cabeza de caballo de madera y por detrás, las correspondientes ancas. Es, pues, una danza de carácter bélico que los frailes españoles introdujeron para mostrar cómo el apóstol encabezó la lucha contra los moros.

LOS SEGADORES.- Se puede ver esta danza en algunos pueblos del Estado de México.

SIETE PECADOS.- Es semejante a la llamada «Ocho Vicios» sólo que el número de «enemigos del alma» aqui se reduce a siete.

SONAJEROS.- Sur de Jalisco.

TECUANES.- Su nombre viene del náhuatl «tecuani» y quiere decir «tigre»,a pesar de los grandes cambios que ha experimentado y sigue experimentando gracias a la fantasia de los ejecutantes, preserva con seguridad sus arraigadas raíces de la época precortesiana.

DANZA DE LOS TEJONEROS.- Costa de Oaxaca.

DANZA DE LOS TEJORONES VIEJOS.- Costa de Oaxaca.

DANZA DEL TIGRE.- Costa de Oaxaca.

DANZA DE LOS TLACOLOLEROS.- Guerrero.

TOREROS.- Debe su nombre a que uno de los danzantes lleva sobre el sombrero un pequeño toro de madera o paja y los movimientos tienen relación con la fiesta del toreo. Varias danzas algo distintas comparten esta denominación; en algunas de ellas los «toreros» usan traje de charros.

DANZA DEL TORO DE PETATE.- Costa de Oaxaca.

DANZA DE LA TORTUGA.- Costa de Oaxaca.

DANZA DE LOS TRES PODERES.- Es otra danza de tipo moralizante, como las llamadas «Siete pecados» y «Ocho vicios», introducidas por los misioneros españoles para evangelizar a los indios. Sus protagonistas son el arcángel San Miguel, el diablo y la muerte, que generalmente porta su guadaña como emblema.

DANZA DE TSACAM SON.- San Luis Potosí.

DANZA DE LOS TUMBIS.- Michoacán.

VARITAS.- San Luis Potosí.

DANZA DEL VENADO.- Sonora y Sinaloa.

DANZA DE LOS VIEJITOS.- Michoacán.

DANZA DE LOS VOLADORES.- Región Huateca de Veracruz.

El Jarabe Tapatio

El Jarabe Tapatío es un bailable ejecutado por la pareja nacional: el Charro mexicano y la China Poblana. Fue bailado por primera vez en 1790, en el Teatro Coliseo de la Ciudad de México.

El Jarabe Tapatío simboliza el cortejo del hombre a la mujer, quien primero lo rehúsa… y después lo acepta.

Originalmente el Jarabe tenía letra y se mantuvo en boga por todo México hasta 1930 primordialmente en la Cd. de México. Los Jarabes de por sí son la mayor expresión regional de los estados del centro y sur de México. Algunos gozan de una complicada estructura musical que envuelven los temas regionales más populares

Este baile de cortejo, se popularizó tanto, que fue declarado «Bailable Nacional».

Vestuario

Los atuendos masculinos y femeninos que se han popularizado para bailar el Jarabe Tapatío tienen una diferencia de más de 100 años entre sí. La China Poblana fue el atuendo de las sirvientas de principios a mediados del 1800’s. El traje de Charro decorado con botonadura de plata, nació hacia 1930, después de numerosas evoluciones, desde los caporales de las haciendas hasta los músicos urbanos de hoy.

Las «Chinas» Mexicanas

Muchas leyendas se han atribuido el traje de China, incluyendo la romántica historia de la princesa mongol vendida en la ciudad de Puebla quien se enamoró de su patrón criollo y confeccionó su ajuar matrimonial basada en las modas locales pero con decoraciones Orientales.

Con tiempo y mucha dedicación, las Chinitas decoraban o bordaban los diseños orientales del castor, que hoy sólo se fabrica en la Cd. de México y Puebla. Las Chinas Poblanas modernas portan una falda tan cuajada de lentejuela, que el «castor» sólo se puede ver si se voltea la falda al revés.

El Surrealismo o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo

El Surrealismo (en francés: surréalisme; sur [sobre, por encima] más réalisme [realismo]) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia a partir del dadaísmo, en la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton. Buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que nunca seguían un razonamiento lógico
La pintura surrealista
Salvador Dalí junto a Man Ray.

Masson adoptó enseguida las técnicas del automatismo, hacia 1923-1924, poco después de conocer a Breton. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, según Breton, «…abusando de ellas y poniendo en peligro la credibilidad del surrealismo…»; inventó lo que él mismo llamó método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en una sola configuración. Óscar Domínguez inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen). Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el raspado, el fumage y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.[1]

Miró fue para Breton el más surrealista de todos, por su automatismo psíquico puro. Su surrealismo se desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas (Personaje lanzando una piedra). Arp combina las técnicas de automatismo y las oníricas en la misma obra desarrollando una iconografía de formas orgánicas que se ha dado en llamar escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico como principio formativo de la realidad.

René Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y el real. Paul Delvaux carga a sus obras de un espeso erotismo basado en su carácter de extrañamiento en los espacios de Giorgio de Chirico.

El surrealismo penetró la actividad de muchos artistas europeos y americanos en distintas épocas. Pablo Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Breton declaraba este acercamiento de Picasso calificándolo de «…surrealista dentro del cubismo…». Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), en que Picasso combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio monstruos de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore y en la poesia y el teatro con la de Fernando Arrabal.

Otros movimientos pictóricos nacieron del surrealismo, o lo prefiguran, como por ejemplo el Art brut.

La música y sus principales Géneros

En la actualidad conocemos diferentes géneros musicales los que han hecho a los seres humanos conocer y distinguir sus géneros preferidos en la música estos son

EL MERENGUE:
La Música Folclórica” de la de la República Dominicana, así se ha de llamar ya que ha sido el primer Genero Musical originada en este país, de hay partieron los demás estilos del Merengue Dominicano. Ritmo y Mambo evaluó de manera detallada la trayectoria de este Género evaluó de manera detallada la trayectoria de este Musical para brindarle a todos los seguidores el origen de esta buena musica para brindarle a todos los seguidores el origen de esta buena musica Este genero se origino específicamente el Cibao, región de la República Este genero se origino específicamente el región de la República Dominicana. La Cultura Dominicana expresa desde sus inicios Sentimientos de Sufrimientos pese a la Esclavitud, así como la Vida Cultural en la época de la Colonización Motivo por el cual los habitantes desahogaban sus penas con el Arte específicamente La Pintura y La Música. específicamente

RANCHERA:
Se asegura que el origen del género ranchero se dio con el estreno de la película mexicana Allá En El Rancho Grande Pensar en las rancheras es tener una montura en el caballo de los sueños, una espuela, un sombrero, un traje con adornos de plata, cuerdas guitarras y una voz que desprende el sentir de un país. Los músicos más populares del ranchero son Pepe Aguilar, Alejandro Fernández, Pablo Montero, Vicente Fernández, Pedro Fernández

ROCK:
Se originó de los procesos de hibridación al cua Rock mestizo: Se originó de los procesos de hibridación al cua está sometido el latino en general. México fue su cuna y cuenta hoy con fieles exponentes, entre ellos destacan: Café Tacuba, botellita de Jérez, Maná y Maldita Vecindad

VALLENATO:
El vallenato es el género musical originario de Valledupar, capital del departamento colombiano de Cesar. A partir de la década de 1960 el vallenato ha ido cobrando cada vez más auge y difusión tanto dentro como fuera de su país. Presenta un ritmo lento y expresivo, con una cadencia especial que lo hace muy pegadizo. Las letras, en forma de romance, suelen retratar la realidad social del país y de la región desde una perspectiva crítica y, por lo general, un punto de vista. ingenioso. Los instrumentos típicos son el. acordeón, la guacharaca (un idiófono de fricción fabricado con una caña hueca) y un tambor llamado caja vallenata, aunque también se incorpora la guitarra, que contribuye a aumentar la sonoridad. Los autores y compositores más destacados son Colacho Mendoza, Rafael Escalona, Lisandro Mesa, Alejo Durán, Julio Bovea y sus Vallenatos, Diómedes Díaz, Leandro Díaz, Carlos Vives y Alfredo

BLUES:
proveniente de los negros americanos y su contenido es básicamente social y sexual. Tiene dos variantes claramente identificadas: el blues urbano, interpretado por voces femeninas acompañadas de piano; y el blues rural interpretado por hombres acompañados de un banjo o guitarra Breakbeat.

TECNO:
Es una variedad de la música pop desarrollada durante los años setenta y ochenta que utiliza instrumentos musicales electrónicos, especialmente sintetizadores

CUMBIA:
La La cumbia es uno de los bailes más representativos del folclor autóctonos representativos del folclor autóctonos colombianos. Al ritmo de un conjunto de gaitas acompañadas por tambores, la cumbia es sinónimo de baile por tambores, la cumbia es sinónimo de baile alegría y fiesta. Se desarrolla de manera libre: la mujer baila suelta, mientras que el hombre la sigue al compás de los movimientos sensuales de su cintura La cumbia es un género que encarna de forma atinos Los músicos más populares de la cumbia son Celso Piña, Sonora Dinamita.

La música tradicional colombiana se deriva de una mezcla de ritmos indígenas, influencias africanas, europeas (especialmente españolas), de las formas musicales modernas de america y del caribe . Algunos ritmos populares son la cumbia el vallenato en el Caribe, el bambuco y el pasillo

La cumbia resulta de una mezcla de influencias españolas, indígenas y africanas (debido al transporte de esclavos para las plantaciones de café y la minería). En el siglo XIX, la abolición de la esclavitud aumentó la influencia mutua entre los diversos grupos étnicos. Fue la época de oro del bambuco el vallenato y del porro Cuando el vals se volvió popular, en el mismo siglo, los colombianos rápidamente inventaron su variante: el pasillo

BLUES….

Género instrumental y vocal de origen estadounidense en compás de 4/4. Las letras suelen estar ordenadas en estrofas de tres versos: una línea inicial, su repetición y una tercera línea (AAB). La música del blues suele tener 12 compases y se compone de tres frases de cuatro compases cada una (una frase por cada línea de texto). La disposición de acordes más típica para dichas frases se basa en las notas de la escala: primera (I), cuarta (IV) y quinta (V). Así, la frase primera se forma con I I I I, la segunda con IV IV I I y la tercera con V V (o IV) I I. Cada frase del texto cantado suele seguirse de una improvisación instrumental, creándose así un modelo de pregunta y respuesta. La música de blues utiliza una escala en la cual las notas tercera, quinta y séptima están disminuidas medio tono en relación a la escala mayor occidental y reciben el nombre de blue notes. Las letras de los blues suelen tratar sobre las penalidades de la vida y las vicisitudes del amor.

JAZZ…

es un género musical nacido a finales del siglo XIX y que se expandió en el siglo XX que tiene sus orígenes en la música clásica.

El jazz es el fruto del encuentro de la tradición musical africana y la europea, en un escenario preciso, Estados Unidos, a raíz de la llegada de los esclavos negros desde principios del siglo XVII.

Se caracteriza por:

• Superposición de ritmos regulares e irregulares, con la utilización de notas a contratiempo y síncopas. Ambas consisten en una alteración del ritmo, se trata de acentuar una parte débil del compás, pero mientras que la síncopa continúa en la parte fuerte, las notas a contratiempo terminan antes de comenzar la parte fuerte siguiente. –
• La improvisación.La forma más común de los temas de jazz clásico (anterior al free jazz, años 60) es la forma canción (AABA). Cada una de las partes suele tener 8 compases. El músico de jazz al improvisar crea nuevas melodías, puede hacerlo adornando las melodías existentes o creando nuevas líneas por encima de las armonías dadas, que están en la base de toda la composición.

Se utilizan instrumentos como:

Batería. Se empezó a utilizar muy tempranamente pero como un instrumento secundario, que acompañaba a los solistas. Pronto se convirtió en uno de los más importantes de cualquier formación.

Contrabajo. Tocado directamente con los dedos. A veces se sustituía por una tuba.

Piano. Utilizado ya en el ragtime, pasó al jazz como instrumento protagonista.

Trompeta. Tuvo una importancia enorme hasta los años 40 en que fue remplazada por el saxofón. Antes de la trompeta se empleaba un instrumento parecido, la corneta.

Saxofón. Se puso de moda con Coleman Hawkins y pasó a convertirse en solista a partir de la revolución de Charlie Parker.

Banjo. Era el instrumento más importante de la música popular norteamericana. Se utilizó hasta los años 20, luego cayó en desuso sustituido por la guitarra.

MUSICA URBANA

diferentes ritmos que encontramos en el mundo actual y han surgido a lo largo de la historia, tienen gran acogida en las personas, lo que permite establecerla a todas las clases de individuos, sociedad y a las culturas que existen e como Hemos, Raperos, Roqueros, Punkeros, Metaleros entre otros.

La música está ligada a estar en diferentes grupos sociales y culturales con respecto a sus acontecimientos, y expresiones. Estos acontecimientos no son universales; por tanto no podemos decir que la música sea universal, por lo menos en cuanto a su contenido, significado e interpretación. Por ejemplo, es probable que las obras de Mozart carezcan de sentido musical para un indígena, quien entiende la música a partir estructuras psíquicas diferentes a las del mundo occidental.

Entre los principales géneros encontramos:

• Rap:Un estilo musical iniciado en los barrios negros e hispanos neoyorquinos, está vinculado desde principios de 1980 a los ambientes de la cultura hip hop. De este último estilo musical toma como ejemplo integrar diversas corrientes, como la break dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch. El compás del rap suele ser de cuatro por cuatro. En su esencia rítmica, las canciones de rap, en lugar de un compás de 4/4 (como en otros estilos musicales, donde la canción sigue el golpe), se basa en un conteo de 3, similar a un «swing» encontrado en los golpes del jazz Sin embargo, en el rap se toma este concepto un paso más allá. Mientras que el ritmo del jazz implica notas de tres octavos (un trío) por golpe, en el rap es el doble: 6/16 (un «doble trío») por golpe.
• Hip Hop:La música hip hop o rap es un genero musical que se desarrolló como parte de la cultura hip hop, y se define por cuatro elementos estilísticos: MC, DJ/turntablism, sampling (o sintetización de sonido) y beatboxing. El hip hop comenzó en el South Bronx de Nueva York a comienzos de los años 1970. El término rap suele utilizarse como sinónimo de hip hop, si bien hip hop también hace referencia a las prácticas de toda esta subcultura.
• Reggaeton: es un genero musical que surgió en Panamá hacia mediados de los años 1970 y comienzos de de los años 1990 en Puerto Rico, de la comunidad jamaiquina cuyos ancestros llegaron a Panamá, junto a inmigrantes antillanos a principios del siglo XX, los cuales introdujeron por primera vez el reggae y por consiguiente el dancehall, tiene influencias del hip hop

SALSA

Es un género desarrollado en latinoamérica en el ámbito caribeño, siendo el resultado de la inmigración de hispanos a los Estados Unidos después de la segunda guerra mundial. Se caracteriza por:

*Tener un patrón rítmico del son cubano en tiempo 2/4

*Presentar una mezcla de rasgos melódicos latinoamericanos con rasgos melódicos del jazz convencional y del folclor latino.

.Acoplar rasgos armónicos puertorriqueños, colombianos y cubanos

Usa instrumentos afrolatinoamericanos como: pailas o timbales de baile, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas (en otras regiones sólo se usaba una), el instrumento afrolatino conga, y los instrumentos piano, contrabajo, trompeta y trombón.

ROCK

El rock es un genero del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros musicales derivados del rock and roll Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que ocasionalmente se adicionan, con guitarra, bateria, bajo

el rock se deriva de varios generos musicales como el blues, rhythm and blues y country, pero también del gospel, jazz y folk. inició en la década de los años 50´ y se mantiene hasta hoy como uno de los más fuertes géneros.

POP

El pop es una combinacion de diferentes géneros como el jazz y el rock. Es un género distinto dirigido al mercado joven, caracterizado por el uso de intrumentos como la voz, la guitarra electrica, el bajo, la batería, la guitarra acústica y el sintetizador . También se caracteriza por tener un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de en obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos. El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo entre dos y medio y cuatro minutos de duración, en general, marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido y una estructura tradicional y simple.Las variantes más comunes son el verso-coro y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las melodías pegadizas y un coro que contrasta melódica, rítmica y armónicamente con el verso. El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado. Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en temas simples – a menudo el amor y las relaciones románticas – aunque hay también notables excepciones.

Autor: Fer Gomez *-*

Los Poemas sinfónicos

Los Poemas sinfónicos son una serie de trece obras orquestales del compositor húngaro Franz Liszt y que están numerados como S.95–107 en el catálogo de Humphrey Searle.[1] Los primeros doce fueron compuestos entre 1848 y 1858, aunque parte del material usado fue ideado con anterioridad; y el último, Von der Wiege bis zum Grabe («De la cuna a la tumba»), después de 1882. Estas obras ayudaron a establecer el género de la música programática orquestal (composiciones escritas para ilustrar proyectos extramusicales derivados de una obra teatral, un poema, una pintura u obras de la naturaleza). Sirvieron de inspiración para los poemas sinfónicos de Bedřich Smetana, Antonín Dvořák y Richard Strauss, entre otros.

ARQUITECTURA y el arte

ARQUITECTURA

Arquitectura» proviene del griego «αρχ» (arch), cuyo significado es «jefe\a, quien tiene el mando», y de «τεκτων»(tekton), es decir «constructor o carpintero». Así, para los antiguos griegos el arquitecto es el jefe o el director de la construcción y la arquitectura es la técnica o el arte de quien realiza el proyecto y dirige la construcción de los edificios y estructuras, ya que, para los antiguos griegos, la palabra «Τεχνη (techne)» significa saber hacer alguna cosa. De ella proceden las palabras «Técnica» y también «Tectónico» (Constructivo). En su sentido más amplio, William Morris dio la siguiente definición:
La arquitectura abarca la consideración de todo el ambiente físico que rodea la vida humana : no podemos sustraernos a ella mientras formemos parte de la civilización, porque la arquitectura es el conjunto de modificaciones y alteraciones introducidas en la superficie terrestre con objeto de satisfacer las necesidades humanas, exceptuando sólo el puro desierto.» (The Prospects of architecture in Civilization, conferencia pronunciada en la London Institution el 10 de marzo de 1881 y recopilada en el libro On Art and Socialism, Londres, 1947.)
Tomando en cuenta la opinión del arquitecto Bruno Zevi:
La arquitectura no deriva de una suma de longitudes, anchuras y alturas de los elementos constructivos que envuelven el espacio, sino dimana propiamente del vacío, del espacio envuelto, del espacio interior, en el cual los hombres viven y se mueven.» (Saber ver la arquitectura, Barcelona, 1948.)